Autor: german

El último lanzamiento de El Flying Monkey corre a cargo de Spacetrilla (Diego García Esquivel  / San Luis de Potosí, México) y se titula She likes to dance Vol.2 (ELFM039), es la segunda entrega de la serie She likes to Dance (el Vol. 1 también publicado por El Flying Monkey – ELFM038).

A la hora de etiquetar siempre cualquier etiqueta se queda corta: ¿Juke? ¿Footwork? ¿Future Bass? ¿Pero cómo suena lo que se encasilla en estos términos? Personalmente me gustó la propia etiqueta que utilizó el sello para poner este lanzamiento dentro de un lugar del espacio sonoro: Future shit, y del bueno, condensado en menos de 20 minutos, casi mejor que sea corto, porque como decía el famoso alquimista Paracelso, el veneno está en la dosis. Intentaré embarcarme en la no fácil tarea de describir con palabras la montaña rusa de sensaciones a la que me ha sometido este trabajo al escucharlo a un volumen considerable.

El EP abre con el track que se podría identificar como corte: Gurl Hit The Ground, la versión original de Spacetrilla, pista en la que una sucesión de espaciales samples vocales reverberan entre un torrente de kicks, snares y percusiones sintéticas navegando juntos sobre un acolchado mar de sustain a una incontable cantidad de beats por minuto, listo para destrozar cualquier track analysis.

Luego aparece el remix de Weed Konducta, que arranca casi como una extensión del track de Spacetrilla pero que a mitad de la pista descarta algunos elementos de la mezcla original añadiendo un ambiente más galáctico y una pincelada de eclecticismo al track.

En una línea un poco más orgánica dentro de la síntesis, aparece el track U Are My Fire Emoji (Original mix) bajando un poco la velocidad a la que venían los temas anteriores (aunque sin escatimar en beats), en el que aparecen desde el fondo unos sintes estridentes que se cuelan hasta tener una presencia ineludible entre melodías simples con sonidos pop (casi acuáticos pero siempre ligados a un terreno) brindándonos insospechadas imágenes de tropicales horizontes vectoriales, muy bien representadas por las portadas de ambos volúmenes.

El remix de MATE de U Are My Fire Emoji vuelve a la carga con una intensa galopada de beats con cataratas de claps casi metálicos que superan nuevamente la barrera de las 150bpm, cuenta con líneas melódicas retrofuturistas que se repiten incansablemente para romper como olas en cortes que nos devuelven a la sonoridad del presente, aunque aún no sabemos si nos encontramos en 2016 o a mediados de unos imaginarios e inexistentes años 80’s .

Cerrando el trabajo de Spacetrilla se encuentra el tema She Takes Me, que llega como desde el fondo de un pantano, con unos paneos brillantes muy psicodélicos, para luego ir orientándose entre vocoders, slices, glitches y samples en un future bass más cercano a un house poco habitual. Avanza desencajado bien deep y se abre paso en la pista de baile generando confusión, pero siempre bailable.

El cover art de ambos volúmenes está a cargo del artista (también mexicano) Bore Uno quien supo plasmar a la perfección el universo auditivo del EP en una imagen gráfica más que interesante. (insertar enlace http://www.boreh.tumblr.com/)

Experimental , arriesgado aunque pegadizo, el trabajo de Spacetrilla, Weed Konducta y MATE es bien representativo de una escena mexicana creciente sin complejos que no conoce los límites y que va incorporando nuevas y múltiples sonoridades el espectro musical latinoamericano. Nos queda en el tintero descubrir quien es “She”, la que le gusta bailar y el emoji incandescente que le arrebata el alma.

El Flying Monkey viene acumulando desde finales de 2009 un extenso catálogo de cuidadas piezas, curado por Pablo Baraybar “Payo” desde Caracas, Venezuela y cuenta con trabajos de artistas como Deltatron, Canibal Negro, El $abor, Tropikore, Villa Victoria Sound System, sólo por mencionar algunas de los productores que forman parte de este sello.

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Originalmente publicado en Cassette Blog

El impacto de la cibercultura de fin de milenio en el imaginario artístico actual y su comportamiento socio-cultural en las redes.

Samples low-bit y sonidos de consolas portátiles, de videojuegos arcade, de computadoras hogareñas de primera generación, se entrecruzan con bonitos arpegios y sonidos de candombe, de repique, de aire rioplatense y de bandoneón, para dar lugar a una banda sonora de una realidad aumentada por las redes sociales y la Internet en general.
. * Intro *
El candombe abarca tanto la música como la danza derivadas de la tradición africana, y se considera un aspecto importante de la cultura de Uruguay. Tradicionalmente, se ejecuta con tres tambores diferentes: piano, chico y repique, cada uno tiene un ritmo distinto. I Have Prøblemas rescata este género tradicional para tomarlo como punto de partida de un viaje interestelar por el espacio-tiempo, a modo flujo de datos limitado. Prepara la cinta magnética de tu C64, que vamos a despegar hacia un viaje retrobit.
. * Prólogo *
La música te transporta a lugares insospechados. Realidad y fantasía se mezclan, algo está perdido por ahí, y eso me hace dudar si estoy viéndolo o soñándolo; o si es una memoria implantada o un sueño lúcido que integra partes de la realidad y viceversa.
Tal vez, una obra teatral onírica donde aparecen muchos personajes y actores, todos mezclados, pero compartiendo diversos roles de este guion, con argumento de ficción retro-futurista vaporwave, algo así como un show de hiper-surrealismo, con soundtrack a cargo de I Have Prøblemas.
. * ¿Qué es I Have Prøblemas? *
Una especie de inteligencia artificial (en adelante AI) que se genera a partir de la fusión de 3 personajes (tan reales como imaginarios), coincidentemente inmigrantes todos ellos, que toma forma en un proyecto audiovisual guiado espiritualmente por el alma cibernética Nøva Quirøga, una chica de Montevideo residente en New York que se asoció con 2G1B (Two Games One Boy), artista argentino dedicado al chiptune residente en Madrid, y el guitarrista venezolano Fernando Ochoa.
“El álbum cuenta con cinco temas que toman como base narradora la raíz del candombe, y pasando por la licuadora cyber espacio se ha creado un universo y una atmósfera en donde la nostalgia, las migraciones, el baile, las computadoras y las relaciones humanas en las redes sociales son protagonistas”. —Declara la AI de IHP en su nota de prensa.
Los miembros de I Have Prøblemas piensan que vivimos en dos esferas existenciales diferentes: la realidad y la red. Algunas personas “pretenden” en las plataformas digitales, basándose en la creencia cyberpunk de los 90´as que profesa “puedes ser lo que quieras en el cableado”. La red se convierte en el escenario ideal para que los alter-egos deambulen como actores e inmigrantes errantes, en búsqueda de almas solitarias que quieran ejercer de audiencia.
A partir de esta concepción de la red, I Have Prøblemas alumbra esta obra en 5 actos titulada “Internet Theatre”, que nos ofrece la oportunidad de experimentar una aventura imaginada, como una realidad implantada o falsa realidad. Como esa película con Bruce Willis donde la gente se recuesta sobre una camilla para vivir vidas virtuales con otros cuerpos, pero en este caso, sin necesidad de cuerpos físicos, sino vidas virtuales compuestas por puros bits. La ventaja del bit es que puede tomar casi cualquier forma, incluyendo las formas visuales y sonoras. Desde Cronenberg a Philip K. Dick, todo vale.
. Acto 1. * Cyber Candømbe *
Sin duda se trata de un tema de apertura. En este caso, es la apertura del disco, pero podría ser el “extended play” de la apertura de cualquier cosa, de una película o de una serie de TV de ciberespionaje charrúa, por ejemplo, y podría escucharla incansables veces con mucho gusto. Esa es la magia que tiene que tener un tema de apertura, resultar emblemático y pegadizo al mismo tiempo. A todo ritmo.
“Esta canciøn naciø escuchandø a Eduardo Mateo, se puede escuchar su vøz gritandø “Candømbe!”, sampleada de la canción “El Candømbe de Ana”. Hemøs usadø ruidø de una C64 para hacer las percusiønes y las arps de las melødías. Hemøs llamadø a Alexander Fernandez para que haga unøs arregløs de Bandøneøn para darle ese aire riøplatense a la canción. También trabajamøs cøn un sampler Akai 3000xl para las Arp Pitch Vøices que aparecen en la mitad del track”. —Nos cuenta IHP
. Acto 2. * Brøøklyn, Uruguay *
Es en este tema donde empieza a desarrollarse la trama de la obra. Arranca optimista y llevadero, es como para escucharlo al sol pero con lentes negros, igual paseando cerca de una playita o en la costanera, que en unas callecitas angostas de Madrid ¿por qué no? El localizador está apagado y la desconexión genera cierta melancolía y desconcierto ¿Estamos en Brooklyn o en Tacuarembó, en Lavapiés o en Punta del Diablo? Pero la esencia nunca se pierde, ya que tiene certeros rasgos de canción popular rioplatense.
“Purø sønidø nøstálgicø, esta canciøn mezcla sonidøs de NYC y del Uruguay rememørandø la infancia de Nøva Quirøga. El sølø de la C64 con pulse width mødulatiøn tøcadø a manø bailandø juntø a la melødía de la guitarra, es una de nuestras partes favøritas del discø” —confirma IHP.
. Acto 3. * Unbørdered *
Es el nudo sonoro de la historia, y justamente habla de inmigración / emigración (nunca sabré cuál de los dos términos es el que se debe aplicar correctamente, supongo que depende del lado en el que estés). Huele a problemas, o más bien a situaciones complejas, a vísperas de persecución, a rechazos y desengaños. Botijas y gurises al exilio se dan fuga en Boings 747, haciendo escala en São Paulo. No mires atrás, sólo hacia adelante, no sabes lo que te espera en la gran ciudad, aunque de fondo la melodía lleva ciertos matices campestres. La guitarra tiene más presencia, sale como desde el fondo de un rancho donde suena un folklore criollo, pero rápidamente pasa un coche con las ventanillas abiertas desde dónde suena un sistema Hi-Fi con Extra Bass y se reconvierte en un éxito ochentoso que recuerda a cabelleras peinadas al brushing, hombreras y leggins flúo. Los leads son un poco más ácidos y agresivos, en clave electro, al igual que la guitarra, que vibra algo de glam rock en forma de sudor latinjazzeado. Codo fuera de la ventanilla, mascando chicle y vincha flameando al viento.
“Sømøs inmigrantes, nø nøs gustan las frønteras demasiadø… Las vøces sampleadas de la deep yøutube søn de inmigrantes latinøs intentandø cruzar el desiertø hacia USA. Usamøs C64 con Mssiah para la línea de bajø acid //heart emøticøn//. El sølø de guitarra es el mejør del álbum,… desiertø, latinø, andinø, desenfadado, tødø en unø!
Para las guitarras distørsiønadas usamos un Russian Big Muff Pi, PØWEEER!!!. Las vøces sintetizadas vienen de un Plogue Art et Technologie ChipSpeech //heart emøticøn//”
. Acto 4. * Internet Theater *
Este viene a ser como el “main theme” y es pura acción, el momento crucial del arcade, la pantalla final, el último nivel, donde se desenmascara toda la trama de la historia, con la aparición al completo del personaje / héroe que se descubre a sí mismo, con guitarras triunfalistas sobre bajos gomosos, y esos pads con toques espaciados tan bien puestos. La realidad y la ficción juegan a ser elementos de un mismo escenario para el desenlace de la obra teatral que da sentido a esta reseña. Los personajes se desdoblan a partir de synth voices que van apareciendo arriba de los repiqueteos recortados, y a medida que avanzamos unas señales sonoras nos van marcando los “logros” —achievements para los gamers— que vamos alcanzando, y así hasta lo que parece ser el final donde todo se descubre. Pero, ¿de qué se trata?
“Internet Theater, Check my Facebøøk Prøfile!” dice nuestra Synth Vøice amiga. La clave de esta canciøn fueron los drum løøps de Candømbe chøppeadøs y luegø los pads de C64 //heart emøticøn// Estuvimøs cømpøniendø las guitrras durante muuuchøs días y ha sidø de lø más durø!!
. Acto 5. * Søla en Eurøpa *
Todo está resuelto, pero no sabemos cómo continuará. Luego de toda la operación exitosa aparece un clima más reflexivo que apunta hacia lo que vendrá, nos encontramos con ciertos momentos de decodificación de data, unas backing vocals que se vienen al frente tararean algo de misterio a la vez que esperanza.
“Es un Candømbe lentø y dubbeadø, aquí Charløtte Astier canta junto al ChipSpeech Plogue Art et Technologie, estamøs enamoradas de este dúø!!! Aunque esta triste canciøn nøs recuerda cuandø Nøva Quirøga se ha sentidø søla en Eurøpa y lø únicø que deseaba era abrazar cøn tødas sus fuerzas a su Commodore 64” — rememora la inteligencia artificial de I Have Prøblemas
//sadface emøticøn//
. * Epílogo *
No me cabe duda de que a partir de este EP puedan ser tan capaces de disfrutar de los grandes del canbombe tradicional y contemporáneo del Uruguay como de los clásicos retro vaporwave / synthwave y de las bandas de sonido sci-fi, al mismo tiempo de que las características bandas sonoras de los videojuegos y del más fino pop de los ’80, desde un nuevo filtro estereoscópico.
Queda abierta una puerta para la secuela, una nueva esperanza para el meta candombe, donde la continuación de la figura del héroe se propaga por cada nodo de la red en una secuencia infinita a 56kbps, reestableciendo una memoria colectiva con cierto sentimiento artificial de bienestar que alguna vez fue reseteada. Reestructuración, introducción de diferentes cadenas de caracteres en formato de password, luces que se encienden y se apagan, suena una alarma, puede ser por el condensador de flujos, se escucha el sonido de una máquina de humo y pum! < 1985 / 1999 >. Viaje en el tiempo hasta la actualidad, me cortaron la Internet por una incidencia en el cobro de la factura. Si quiere pagar con tarjeta de crédito presione 1, para cualquier otra consulta espere. Al fin pude terminar esta reseña. Fin de la obra. Fin del sueño.
//sadface emøticøn//
Pero… ¿es un sueño o un recuerdo, o una falsa memoria? No tengo claro, si ese antiguo deja vu es un anhelo o un recuerdo suprimido… pero al final, también puedo recomponerlo todo y convertirlo en realidad a punta de Google, Photoshop y Bandcamp.
. * Reparto *
INTERNET THEATER es el EP debut de I Have Prøblemas.
Publicado en Noviembre del 2017 por Flying Monkey Records (Miami).
– Nøva Quirøga: Cømpøser and Producer, keys, Spiritual Guide.
– 2.G.1.B: Cømmødøre 64, Percussiøn and Drum Prøgramming, Sampling.
– Fernando Ochoa: Guitars.
– Charlotte Astier: Vøcals in “Søla en Eurøpa”
– Alexander Fernandez: Keys arrangements in “Cyber Candømbe”.
Grabado y mezclado en Chip Lab Studios por Pablo De La Huerga, Ivan Taboada y Julian Carrara http://chiplabstudio.com | www.facebook.com/chiplabstudio/
Master @ Camaron Brujo Buenos Aires por Nahuel Berneri www.camaronbrujomusica.com
Artwørk por Kaeru www.kaeru.com.ar

. * Extralife *
Hay una escena girando en mi cabeza: es un Marty McFly lisérgico con síndrome de Diógenes viajando a los años 2017-1999-1985 intermitentemente, con el DeLorean repleto de todo tipo de aparatos tecnológicos de las diferentes épocas, como si se tratase de un chatarrero del espacio-tiempo cyber punk aterrizando en pleno Parque Rodó; pero de repente todo se transforma y aparece reconvertido en Hackerman junto a Kung Fury que le dice “is hacking time”, mientras piden una Pilsen, inexplicablemente, con un chivito “vegetariano” (?!?), en un puesto de comida callejero en Coney Island. Paga la cuenta con un billete de 100.000 bolívares, levanta la vista y justo detrás, en la pared, hay un cartel electoral animado en un plasma, de quien estoy convencido que es Donald Trump, pero en realidad no es más que el mismísimo Max Headroom que repite en loop la frase: “Síganme, no los voy a defraudar”. WTF
Cambio de plano, aparece Rubén Rada que viene a ser como un latin dealer amable, juguetón y sonriente aunque no menos bravo, llevando puesta una camisa hawaiiana celeste con flores blancas. Está comiendo en el Mercado del Puerto con su botella de medio y medio. De fondo suena un cybercandøme bien piola que arranca con todo, que parece el tema de apertura de una película o una serie de TV charrúa y bla bla… y el negro mueve la cabeza al ritmo de la música, pero sabe que en cualquier momento aparecerá The Indian Chuck Norris para ajusticiarlo, o bien podría ser The Indian Thriller (pero esa es otra historia). Mientras tanto, en otra parte de Montevideo vemos al Agente 86 junto a la 99 que van en búsqueda de unos proxenetas argentinos interpretados por Olmedo y Porcel, tomándose unos mates espumosos por la 18 de julio. Pero al final se pierden en la feria de Tristán Narvaja buscando unas Commodore 64C o una SID 8580 de segundamano, donde se encuentra camouflado el Agente 13, quien tiene un plan para cruzar a Buenos Aires en la Cacciola, pero Leonardo Di Caprio le insiste en llegar a la playa perfecta: Cabo Polonio.
David Hasselhoff también debería estar allí, pero no está presente físicamente, sino que es reinterpretado por otros personajes en sus dos memorables papeles: el de Baywatch con los slips rojos es Fatorusso surfeando en una playa de Rocha, se percibe que tiene el anhelo de crear un nuevo género como un “candombe-surf” o algo así; el del agente Michael Knight lo reinterpreta Berugo Carámbula joven, que va haciendo deducciones sobre posibles pistas con su coche fantástico (el 3 por el 2, el 5 por el 8) a las que, en cada coincidencia, la AI de KITT las ilustra con dos logos de Alcoyana (?). Ambos son perseguidos desde Piriápolis por un Don Johnson pixelado que conduce la Ferrari pixelada del Out Run, cambiando las estaciones de radio mientras conduce, pasando por medio de unos campos virtuales donde pastan ovejas eléctricas, mientras recibe un mensaje en su Motorola plegable que dice: Machete don’t txt
//smile emøticøn//
. * Shoot Again * Mr Jackpot says Hellooooooooo! * Se va la penúltima! *
Para entender la Internet desde una perspectiva socio-cultural en relación a nuestro comportamiento e interacción, tanto con los otros como con la propia red, podemos remitirnos a la interpretación que ha hecho Ervin Goffman en “La presentación de la persona en la vida cotidiana” (1959) donde se refiere a la actuación de la persona como una “realización dramática”, ya que mientras el individuo se presenta frente a otros adopta una rol, esa vida cotidiana que hoy se “realiza” por internet, abre la puerta a un Teatro de la Innovación en Internet, como indica Bridgette Wessels, donde se presentan diferentes partes, como en el teatro, una audiencia, un escenario y unas bambalinas o backstage, en cada parte ejerce su rol un diferente grupo de actores sociales, esta metáfora del teatro ilustra la relación entre la producción y consumo de la innovación y el desarrollo de las nuevas (y no tan nuevas) tecnologías.
Más aún desde la aparición de las redes sociales, primero con los ya olvidados Myspace y Fotolog y en la actualidad con el Goliath de la F azul (a quien ya le llegará su David y no precisamente Hasselhoff) donde el interaccionismo del add, del request y del like representan diferentes recursos dramatúrgicos ya que se presentan como rutinas o pautas preestablecidas de acción y que a su vez, pueden ser presentadas o representadas múltiples veces al igual que en las actuaciones. “Me interesa”.
Pero, no todo es innovación, sino que también aparecen como flashbacks determinados loops y glitches que han interferido en estos procesos de creación antaño, y emergen desde el pasado en formatos novedosos, recuperando el lugar de privilegio que han sabido ocupara en otras décadas. Curiosamente, intercambiando opiniones con un amigo, el otro día él me decía “desde 1920 que no hay nada nuevo en el arte”, y ojo, que ya son casi 100 años de lo que hablamos. Pero por otra parte nos encontramos con la afirmación “Todo es un Remix” este servidor ya lo había mencionado en alguna otra reseña, pero aquí viene bastante al caso, incluso, hasta las obras que creemos que son remix de algunas otras, éstas no dejan de ser remix de ideas literarias o filosóficas de Borges, Asimov, Freud oNietzche… qué más da de quién? de Jesús, Hermes o Platón… quienes incluso han remixado pensamientos y creencias anteriores de antiguos egipcios, caldeos, sumerios, atlantes… y así hasta los dinosaurios, WTF.
En las diversas obras en la actualidad, como por ejemplo, más recientemente en el extraño caso de Stranger Things, dónde para muchos lo bueno está en el remix, y para otros lo bueno radica en el homenaje a la pieza original, en el volver a traerla al presente y mostrarla insuperable, pero ambas opciones son igual de válidas y disfrutables finalmente, tanto para unos como para otros.
Incluso los proyectos artísticos, ya sean a nivel música, pintura, literatura, cine… luego de deambular por estados inciertos de la creatividad muchas veces retornan a sus orígenes para encontrarse con el gen inicial y remixarlo.
Mientras nos acercamos a la franja de los 30 ~ 40 años dónde tenemos completa capacidad de asimilación y de identificación de diversos mensajes encriptados que nos han ido implantando en las tempranas edades de nuestras vidas, vamos adquiriendo una capacidad especial de goce y disfrute por aquellas cosas, hechos, actos, obras, etc. que no acabábamos de entender al completo en aquellos años. Esta es la chispa principal del efecto retro, de la moda vintage, del apreciar lo viejuno y darle un valor añadido a cualquier cosa que terminamos de entender durante nuestra adultez. Asimismo, el idealizar lo que nos han contado, que no hemos podido vivenciar, nuestros hermanos, primos o tíos, nuestros padres o nuestras abuelas. Y así se genera un loop cultural generacional que nos retrotrae quién sabe hasta dónde, quién sabe si tiene un fin conocido o es totalmente imaginado todo, incluso este mundo, y por qué no, el universo.
* FIN *

Publicado originalmente en Cassette Blog, mayo 2018

Estos dos referentes de Argentina de la mezcla entre estilos originarios y electrónica actual se dan la mano para lanzar un EP de ensueño.

Nico Bruschi y Fede Sanchez se conocieron en Buenos Aires cuando tenían 10 años de edad. Luego de 20 años se reúnen bajo los nombres de SidiRum y Jin Yerei respectivamente (sus actuales alias como productores), para crear este Maxi Single que lleva por nombre “Mono EP + Remixes”, publicado por el sello brasileño Tropical Twista Records y que incluye 5 tracks en total, contando con la participación de Kurup (Brasil), Ninze (Alemania) y LEEU (Sudáfrica) en los remixes.

El EP se compone de 2 temas originales. El primero es “Mono”, que da título al release, y el segundo, “Affe”, más 3 remixes. Es el primer lanzamiento de 20178 de TTR, que augura un nuevo año de hiperactividad y buen trabajo.

“Mono EP + Remixes” (TTR034)” es un EP donde la electrónica orgánica desprende todo su eclecticismo y encanto a través de beats minimalistas bien marcados, con percusiones folktrónicas, flautas y vocales de fondo, tal como el sello Tropical Twista lo presenta en su propio Bandcamp: “Una psicodélica y misteriosa pieza del nuevo sonido sudamericano. Los artistas navegan por diferentes géneros actuales y olvidados, usando tecnología que acerca y revive el uso de viejos instrumentos en esta era caracterizada por la hiperconectividad”.

Los remixes están a cargo de Kurup y Ninze (Mono) y LEEU (Affe). Este último track también cuenta con la participación de Andrés Nizovoy en flautas tanto en su versión original como en el remix.

SidiRum aka Nico Bruschi, es un productor argentino conocido por sus trabajos publicados en varios sellos discográficos de referencia, como los son Sol Selectas, Estamos Felices, Frente Bolivarista, Regional, Krooks Records, entre otros, tanto en formato de singles como en recopilatorios como en EPs propios y colaboraciones.

Jin Yerei es uno de los referentes del sello de electrónica orgánica argentino Fértil Discos, quien también ha publicado sus obras en otros sellos también de referencia en la actualidad folktronica, como los son Shika Shika y Waxploitaton.

El artwork de “Mono EP + Remixes” es obra de Nicolás Lalli y el mastering corre a cargo de Tropikore.

Tropical Twista, sello independiente de São Paulo, Brasil, ya tiene más de 30 referencias publicadas y se ha convertido a lo largo de los últimos años en uno de los sellos más llamativos de la escena folktrónica internacional, lanzando material de Kaleema, Kraut, ElPelche, Kurup, Dandara, Ibu Selva, BirdZzie, Cigarra, helena9999, Leónidas Ghione, Panther Panther! entre otros

Delicado y profundo a la vez, Robin Perkins aka El Búho es uno de los grandes influencers de la escena electrónica orgánica y slowhouse mundial; no por nada, uno de los responsables del sello Shika Shika (junto a Agustin Rivaldo aka Barrio Lindo, y por supuesto, junto a todos los artistas que lo componen), a mi entender unos de los labels más interesantes en la actualidad en su línea.

El trabajo de El Búho es un “soundtrack de la naturaleza”, tal como lo ha demostrado ya en su primera publicación llamada “A Guide to the Birds of South America” (septiembre 2011), donde los cantos de los pájaros de América del Sur son los (co) protagonistas de cada uno de los temas que aparecen en el EP.

Particularmente, he tomado contacto son su trabajo a través del (lamentablemente) hoy desaparecido sello Antartek Records de Holanda, un netlabel que a principios de esta década ha dejado varias perlas sonoras a cargo de Makina, Matanza, Green Pepper Boy y precisamente El Búho, entre otros.

En este caso hablamos de su último trabajo, publicado por Shika Shika, y que lleva por nombre “Tamoanchan EP”.

Esta publicación arranca con el tema “Cumbia de Tototl”, donde los elementos que la componen aparecen por adición y con la calma, y en el que con gran precisión encontramos cada cosa puesta en su lugar, con un sentido. En este primer track la cumbia se esconde tras la delicadeza de un sonido orgánico y llevadero, entre kalimbas y xilófonos que van por delante. Es el punto de partida de un trabajo unificador, el comienzo de un recorrido luminoso pero oscuro a la vez, donde cada una de las partes hace destacar a su opuesta y conviven en perfecta armonía. Un tanto dulzón y emplagoso, a la vez que delicado y escurridizo, pero siempre gratificante.

“La hora más oscura” es un temazo sin duda alguna, que toma una dinámica más envolvente, donde también resuenan miles de pequeños elementos percusivos, creando un entorno casi habitable, entre armónicas sonoridades de vibratorias cuerdas que se entrecruzan en redundantes delays unificadores. Una avalancha de adjetivos, así. Un track estimulante y energizante que llena de entusiasmo al alma.

“Heroica”, por supuesto, haciendo eco de su título, es un tema con imágenes más bien épicas y triunfadoras. Podría ser justamente el amanecer del triunfo de la naturaleza sobre el hombre, donde la belleza del entorno te arrincona para hacerte sentir diminuto y devolverte a un estado de pertenencia del mismo. Como ser un insecto más en la jungla, mirando el acontecer en un eterno timelapse.

“Noche de Tepotzotlán” se compone con los mismos elementos que el resto de los tracks para cerrar una producción sólida y coherente, pero esta vez llegando un poco más profundo, escondiendo algo que tal vez ha estado todo el tiempo presente delante de nuestros propios oídos. Tiene ese halo de misterio que debe poseer una obra para dejarte esperando una secuela.

El trabajo de Robin Perkins hace honor a los muchos significados simbólicos que tiene el búho como animal, que representa la intuición, la capacidad de ver lo que otros no ven, la sabiduría y ser el anunciador de la muerte, que significa no más que “una transición en la vida, un cambio”, y sobre todo la capacidad de ver más allá del engaño y de las máscaras.

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Originalmente publicado en Cassette Blog

Delicado y profundo a la vez, Robin Perkins aka El Búho es uno de los grandes influencers de la escena electrónica orgánica y slowhouse mundial; no por nada, uno de los responsables del sello Shika Shika (junto a Agustin Rivaldo aka Barrio Lindo, y por supuesto, junto a todos los artistas que lo componen), a mi entender unos de los labels más interesantes en la actualidad en su línea.

El trabajo de El Búho es un “soundtrack de la naturaleza”, tal como lo ha demostrado ya en su primera publicación llamada “A Guide to the Birds of South America” (septiembre 2011), donde los cantos de los pájaros de América del Sur son los (co) protagonistas de cada uno de los temas que aparecen en el EP.

Particularmente, he tomado contacto son su trabajo a través del (lamentablemente) hoy desaparecido sello Antartek Records de Holanda, un netlabel que a principios de esta década ha dejado varias perlas sonoras a cargo de Makina, Matanza, Green Pepper Boy y precisamente El Búho, entre otros.

En este caso hablamos de su último trabajo, publicado por Shika Shika, y que lleva por nombre “Tamoanchan EP”.

Esta publicación arranca con el tema “Cumbia de Tototl”, donde los elementos que la componen aparecen por adición y con la calma, y en el que con gran precisión encontramos cada cosa puesta en su lugar, con un sentido. En este primer track la cumbia se esconde tras la delicadeza de un sonido orgánico y llevadero, entre kalimbas y xilófonos que van por delante. Es el punto de partida de un trabajo unificador, el comienzo de un recorrido luminoso pero oscuro a la vez, donde cada una de las partes hace destacar a su opuesta y conviven en perfecta armonía. Un tanto dulzón y emplagoso, a la vez que delicado y escurridizo, pero siempre gratificante.

“La hora más oscura” es un temazo sin duda alguna, que toma una dinámica más envolvente, donde también resuenan miles de pequeños elementos percusivos, creando un entorno casi habitable, entre armónicas sonoridades de vibratorias cuerdas que se entrecruzan en redundantes delays unificadores. Una avalancha de adjetivos, así. Un track estimulante y energizante que llena de entusiasmo al alma.

“Heroica”, por supuesto, haciendo eco de su título, es un tema con imágenes más bien épicas y triunfadoras. Podría ser justamente el amanecer del triunfo de la naturaleza sobre el hombre, donde la belleza del entorno te arrincona para hacerte sentir diminuto y devolverte a un estado de pertenencia del mismo. Como ser un insecto más en la jungla, mirando el acontecer en un eterno timelapse.

“Noche de Tepotzotlán” se compone con los mismos elementos que el resto de los tracks para cerrar una producción sólida y coherente, pero esta vez llegando un poco más profundo, escondiendo algo que tal vez ha estado todo el tiempo presente delante de nuestros propios oídos. Tiene ese halo de misterio que debe poseer una obra para dejarte esperando una secuela.

El trabajo de Robin Perkins hace honor a los muchos significados simbólicos que tiene el búho como animal, que representa la intuición, la capacidad de ver lo que otros no ven, la sabiduría y ser el anunciador de la muerte, que significa no más que “una transición en la vida, un cambio”, y sobre todo la capacidad de ver más allá del engaño y de las máscaras.

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Publicado Originalmente en Cassette Blog

Lo nuevo de Juan de Borbón (7vestidos / Camanchaca) toma inspiración del astrónomo y matemático Johannes Kepler y la ley armónica de los astros, con composiciones infinitas que se asientan en lo circular.

¿Qué pueden tener en común un boxeador, un licenciado en filosofía y un melómano productor de música electrónica? Un nombre: Juan de Borbón. Llegado a la Tierra en el ‘84 (sí, 1984) en la región cuyana argentina, más precisamente en la andina provincia de Mendoza. No sabemos aún si es un replicante.

Inquieto, multifácetico y también de múltiples identidades musicales, crea sonoridades bajo el nombre de Camanchaca (junto a su otra mitad, Alejandro Duro), también como 7vestidos y desde este año, con su propio nombre.

Juan de Borbón viene de familia de músicos aficionados y se ha convertido en un autodidacta del loop y del secuenciador luego de haber navegado en un mar musical tan amplio que va desde la costa del folklore hasta los acantilados del hardcore punk.

En “Harmonices Mvndi” (TTR 026), “A1”, “A2” y “A3” representan (aparentemente) los tracks de una de las caras de un disco de vinilo. Pero, ¿dónde están los tracks de la cada B? ¿Será como un espacio infinito representado como un elemento físico de un sólo plano? ¿Un álbum digital representado metafísicamente por una superficie de una sola cara como la Cinta de Moebius? ¿O es como la representación incompleta de un (A)lbum que se completa justamente con la parte teórica de su propio concepto? La ausencia de la B es perturbante y no me hace más que filosofar. Vamos allá.
Como no podía ser de otra manera, tratándose de un filósofo, detrás de “Harmonices Mvndi” (Tropical Twista Records) existe una complejidad de pensamiento inspirada en el astrónomo y matemático Johannes Kepler y la ley armónica de los astros: “la velocidad del movimiento de los planetas en relación con la distancia entre ellos, haría de la naturaleza misma del sistema solar un soundtrack continuo del cosmos. Somos parte de algo mucho más grande que nosotros. Y está sonando, sin importar las fronteras del tiempo y del espacio. Sólo tenemos que prestar atención y escuchar.” aparece escrito en la descripción del EP.

Esta declaración no es ni más ni menos que del año 1619. Johannes Kepler escribió 400 años atrás “Harmonices Mundi”, desarrollando la idea de la “música celeste”, en un intento por explicar el movimiento de los planetas de acuerdo a la vieja teoría pitagórica de la armonía de las esferas.

Pero… ¿qué significa esto? Como cualquier declaración filosófica, nos quedamos con la duda de qué es realmente de lo que se trata. O toca investigar. La energía que mueve los cuerpos celestes viene a ser como un Tempo / BPM que reproduce un loop astronómico perpetuo.

Juan de Borbón me explica por el chat: “Es una teoría muy bonita, porque supone que la relación entre la distancia que hay entre los planetas y la velocidad a la que se mueven es análoga a los intervalos musicales, con lo cual el movimiento de los planetas estaría dando como resultado una música constante, que es la música del cosmos. La fórmula alquímica “Así como es arriba es abajo, es un poco el espíritu que engloba el EP, y que creo queda muy bellamente plasmado en el arte de tapa que hizo Jalinski. En cuanto a lo musical, me sucede que si bien tengo grandes colegas abocados a los nuevos ritmos lentos, el slow house étnico, o como quieran llamarlo, produciendo piezas realmente muy bellas y bien logradas, después de un par de horas de escucha, siento el deseo de subir el bpm al viejo y querido four to the floor en 120. Son constantes las percusiones y un fondo africanista, porque creo que en África hay una clave para comprender ciertos aspectos atemporales de la música, que es lo que me viene interesando: una música sin fronteras, no sólo espaciales, sino también temporales”.

Sin embargo, esta teoría de Kepler (aparentemente fallida para la ciencia, pero no tan fallida en términos esotéricos tal vez) “nunca funcionó, y tras haberla expuesto en largas páginas en esta obra, la abandonaría finalmente, mostrando que es incompatible con las observaciones y las leyes del movimiento planetario”, según se explica en Wikipedia.

En contraposición, la obra de Juan de Borbón, sí funciona como un todo, como un uppercut de la filosofía al mentón de la ciencia, con el común denominador de la A (la totalidad), primera letra del abecedario, el inicio de toda comunicación sonoro-auditiva y base quizás de toda la teoría detrás de “Harmonices Mvndi”.

“A1”, “A2” y “A3” (los nombres de los tracks) son las constantes de este trabajo, son piezas que se van metamorfoseando delicadamente en cada consecución de plays, lo que podría entenderse como una obra con “destino circular”, que nos remite a “El Aleph” de Borges. Aleph no es más ni menos que la primera letra del alfabeto hebreo (א ) pero también Álef es la primera letra del alfabeto persa, así como álef (o alif) es la primera letra del alfabeto arábigo – la primera, como la A en cuestión.

En la antigüedad, este símbolo tenía un sentido religioso (Egipto y Babilonia), y su concepto se asimiló con el centro del mundo. Era la iniciación de un ritual. En la literatura moderna no tiene sentido religioso: manifiesta la inseguridad del hombre y sus esfuerzos por lograr un centro, el equilibrio de su existencia y de su conciencia. Aunque el mito es de origen griego, en “El Aleph”, Borges lo entronca con la tradición cabalística hebrea. En el mito griego “el laberinto es una casa labrada para confundir a los hombres, su arquitectura, pródiga en simetrías, está subordinada a ese fin” (Borges, Obras Completas 537) y la salida está supeditada al azar. En la tradición judía, la salida es a través del conocimiento. El hombre de Borges (él mismo) es por el laberinto y en la bifurcación del sendero donde está presente el tiempo, el hombre confunde el pasado, el presente y el futuro.1 (extraído de “Concepción del hombre y el universo en Borges”, por Julieta Ortiz)

Pero… ¿Qué tiene de circular “Harmonices Mvundi” se preguntarán?

Mucho, o casi todo. Como objeto topológico, la anteriormente mencionada cinta de Moebius (de una sola cara) también es considerada como el espacio total. A es la totalidad, ergo no existe B. Y también es infinita. Entonces, si reproduces el EP en repeat (infinito), luego de 2 o 3 escuchas no sabrás en qué parte del laberinto sonoro te encuentras, cual es el “A1”, el “A2” o el “A3”. Justamente por eso, no da lugar al existencialismo, una escucha en la que no se trata de identificar, no es para identificar nada en concreto, ni nombres ni autores, ni estilos, ni ritmos, sino para que puedas flotar en este espacio continuo que te permita alcanzar un éxtasis cósmico, algo así como un trance hipnótico en un laberinto geométrico y metatemporal, reconvertido en un ritual iniciático para confundir el pasado, el presente y el futuro.

¿Dónde estoy? Se puede preguntar tu Superyó. Olvídate del ego y ponte a bailar.

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Publicado originalmente en Cassette Blog